La representación del dolor femenino en la cultura popular está atravesada por una contradicción. Por un lado, el cine, la literatura, la música y otras formas de expresión artística pueden ofrecer herramientas para comprender y expresar emociones que, especialmente durante la adolescencia, todavía no sabemos explicar con palabras. Por otro, esas mismas representaciones pueden convertir la tristeza, la fragilidad o incluso la autodestrucción en elementos estéticos, atractivos y deseables.
Vamos a analizar de dónde vienen estos estereotipos y cómo podemos mejorarlo respecto a su influencia en la cultura popular, sin cambiar estas obras que no dejan de ser expresiones artísticas. Pero sobretodo, cómo ocurrió que los problemas de salud mental se convirtieron en una estética.
La figura de la sad girl surge precisamente en ese espacio ambiguo: entre la necesidad legítima de expresar el malestar y la tendencia cultural a convertirlo en una imagen reconocible y reproducible. Y es difícil pararse en esta figura sin fijarse en la búsqueda de la identidad en época adolescente en el contexto cultural de los 90 y los 2000. ¿El arte y la cultura popular es un reflejo de ello o una forma de inculcarlo al público?
Durante la adolescencia, muchas personas todavía están construyendo su identidad y aprendiendo a reconocer lo que sienten. Cuando faltan herramientas para expresar emociones como la soledad, la incomprensión la melancolía o la insatisfacción, las referencias culturales pueden convertirse en una forma de lenguaje. Las películas, los libros, la música o las imágenes permiten encontrar representaciones externas de aquello que ocurre en el interior.
El problema aparece cuando esa representación deja de funcionar únicamente como herramienta de expresión y comienza a establecer que determinadas formas de sufrimiento son más bellas, interesantes o valiosas que otras.
En el cine tenemos ejemplos como Las vírgenes suicidas, Requiem por un sueño, Melancolía, Thirteen, Lost in translation, Inocencia interrumpida, Lady Bird, American Beauty, Cisne negro, Retrato de una mujer en llamas o Ghost world. En las series ejemplos como Euphoria, Fleabag, Sex education, The O.C., 13 reasons why, Gambito de dama o Skins. Otros ámbitos artísticos también, aunque al ser carreras y no proyectos, se trata de mujeres que hacen su propia carrera y no personajes escritos por otras personas, que puedan atravesar diferentes fases dentro de su evolución artística, pero al fin y al cabo representando también a la sad girl. En la música Lana del Rey, Clairo, Billie Eilish, Lorde, Melanie Martinez o Dove Cameron. En pintura Frida Kahlo, Louise Bourgeois o Cindy Sherman. Y en las redes sociales, el ámbito más difícil de ejemplificar, ya que no se trata de personajes o personas reales, sino de tendencias y estéticas. Encontrándose estas especialmente en Tumblr, Pinterest e Instagram.¿Qué es la sad girl?
La figura de la sad girl puede entenderse como una construcción cultural de la joven melancólica. No se trata simplemente de una chica que está triste, sino de una imagen que reúne una serie de características: juventud, belleza, delicadeza, aislamiento, depresión, sensibilidad, melancolía y, en determinados casos, una dimensión autodestructiva.
Su sufrimiento adquiere una dimensión estética que puede hacer que parezca especial frente a quienes llevan una vida considerada más convencional.
Esta imagen aparece en cine, series, videoclips, incluso en medios audiovisuales como redes sociales, teniendo un gran auge desde Tumblr. Pero tiene antecedentes culturales mucho más antiguos y puede rastrearse en distintas representaciones artísticas de mujeres jóvenes asociadas a la tristeza, la locura, la muerte o la fragilidad.
Uno de los ejemplos más representativos de este sufrimiento y dolor basado en una estética bella y delicada, es Ofelia, personaje de Hamlet de William Shakespeare.
Ofelia: cuando la tragedia se convierte en belleza
Tras la muerte de su padre a manos de Hamlet y el deterioro de su relación con él, Ofelia experimenta un profundo sufrimiento psicológico. Su respuesta se presenta mediante una regresión a comportamientos infantiles: canta, recoge flores y parece desconectarse progresivamente de la realidad. Finalmente muere ahogada en un arroyo.
La tragedia de su muerte es evidente, pero la forma en que ha sido representada posteriormente ha contribuido a construir una imagen muy diferente: la de una joven bella, delicada y melancólica rodeada de flores y agua.
La representación pictórica realizada por John Everett Millais es especialmente significativa. La escena muestra a la joven flotando entre flores en una composición de gran belleza visual. La tragedia queda parcialmente desplazada por la estética. El espectador puede fijarse en los colores, la naturaleza, el vestido o la serenidad de la figura antes que en el hecho fundamental de que está contemplando a una mujer que se está ahogando.
La imagen termina siendo reconocible como una representación bella de la muerte y no únicamente como una representación de una muerte trágica. Este ejemplo permite observar una característica fundamental de la figura de la sad girl: no siempre es una figura creada por las propias mujeres que experimentan el sufrimiento. En muchas ocasiones es una construcción externa, desde la mirada masculina.
La tristeza femenina puede ser observada, interpretada y transformada por otros hasta convertirse en una imagen cultural. El sufrimiento deja entonces de pertenecer únicamente a la persona que lo experimenta y pasa a formar parte de una fantasía sobre lo que significa ser una mujer joven, bella, vulnerable y misteriosa.
De la mujer trágica a la estética de la autodestrucción
Esta tradición encuentra una continuación evidente en determinadas tendencias de la cultura visual del siglo XX. Uno de los ejemplos más representativos es el llamado heroin chic, asociado a la moda de los años noventa. Esta estética explotaba la imagen de una mujer joven, atractiva, extremadamente delgada, pálida y aparentemente cercana a la autodestrucción. La enfermedad, el deterioro y la fragilidad física podían transformarse en elementos visualmente deseables.
La tragedia dejaba de ser únicamente algo que debía evitarse y se convertía en parte de una imagen aspiracional.
Relacionado con ello, aparece también la estética de la llamada novia muerta, en la que imágenes de mujeres asociadas a la muerte son presentadas desde perspectivas glamurizadas o sexualizadas.
El problema no es únicamente que determinadas imágenes puedan resultar ofensivas o de mal gusto, o que escondan muy en el fondo problemas psicológicos que deben ser tratados, sino que forman parte de una cultura visual más amplia en la que la figura de la mujer joven, «rota» o destruida puede adquirir un valor estético y comercial. De esta forma, la tragedia se convierte en una imagen que puede consumirse.
Las hermanas Lisbon y la depresión del aislamiento
El cine retoma muchas de estas características. Uno de los ejemplos fundamentales es Las vírgenes suicidas, de Sofia Coppola (ver en Apple TV).
La película cuenta la historia de las cinco hermanas Lisbon, adolescentes que viven en un entorno familiar aparentemente idílico, pero en el que sus padres ejercen un control extremo sobre ellas. La falta de libertad, la imposibilidad de construir una identidad propia y el aislamiento terminan conduciendo a las cinco hermanas hacia la muerte.
Sin embargo, uno de los aspectos más interesantes de la película es que la historia está narrada desde la perspectiva de los chicos del barrio.
Después de la muerte de las hermanas, ellos continúan obsesionados con su recuerdo, pero no necesariamente con quiénes fueron realmente. Recuerdan sus cabellos, sus sonrisas, su delicadeza y determinados momentos que convierten a las chicas en figuras casi poéticas.
Las hermanas parecen adquirir una especie de aura que las diferencia de las demás chicas del instituto. Su tragedia las convierte, paradójicamente, en personajes más interesantes. Aquí aparece una cuestión fundamental: ¿qué hace que un personaje sea interesante?
Si la respuesta termina siendo exclusivamente su sufrimiento, la representación corre el riesgo de reducirlo. Las hermanas Lisbon tienen una historia, una personalidad y unas circunstancias concretas, pero el recuerdo que permanece puede quedar dominado por la imagen de las chicas trágicas, bellas y misteriosas.
Hannah Baker y la aspiración de la tragedia
Este mecanismo aparece también en 13 Reasons Why (ver en Netflix). Hannah Baker es presentada a través de su experiencia de sufrimiento y de la memoria del protagonista masculino, Clay.
Y su primera temporada graba a esta protagonista como alguien que no supo enfrentar sus contradicciones y cambió las cosas al decidir morir, como herramienta de hacer pensar a los demás adolescentes que parece ser que al final sí tenía sentimientos. Pero para Hannah llegaron tarde. Hace sentir a este personaje como algo idealizado, aspiracional, que puede confundir según la edad y el momento vital en el que la veas.
Su muerte y su historia se convierten en el centro de una construcción de la chica triste y misteriosa. El personaje puede tener una personalidad propia, pero el recuerdo que permanece está dominado por sus momentos de sufrimiento, su sonrisa, su mirada melancólica y su aura de chica solitaria. Hannah termina siendo conocida principalmente a través de la tragedia que le ocurre.
Esto permite plantear una cuestión importante: ¿qué ocurre cuando el sufrimiento se convierte en la característica principal de un personaje? Una persona puede sufrir y, al mismo tiempo, tener aficiones, proyectos, aspiraciones, relaciones, contradicciones y momentos de felicidad. Cuando una narración concentra nuestra atención en su dolor, su muerte o su imagen melancólica, esos otros aspectos pueden desaparecer del imaginario del espectador.
De la tristeza a la identidad
La sad girl puede convertirse así en una figura aspiracional. Esto no significa necesariamente que las adolescentes quieran sufrir literalmente. Lo que puede resultar atractivo es la identidad cultural asociada al sufrimiento: parecer profunda, diferente, misteriosa, sensible, incomprendida o incluso una estética representativa. La tristeza se convierte en un conjunto de signos reconocibles.
En redes sociales pueden reproducirse determinados colores, fotografías, frases, formas de vestir o comportamientos que construyen visualmente lo que significa ser una sad girl.
Aquí se encuentra una diferencia fundamental entre sentir tristeza y estetizar la tristeza. La primera es una experiencia emocional; la segunda es una representación cultural de esa experiencia. Una persona puede utilizar una estética para expresar algo que realmente está viviendo. El problema surge cuando esa estética termina sustituyendo a la experiencia o cuando la cultura convierte determinados signos del sufrimiento en un modelo reconocible de identidad.
Redes sociales: cuando el sufrimiento se convierte en imagen
Las imágenes de chicas jóvenes con maquillaje corrido, fumando, aisladas o representadas en blanco y negro son ejemplos de esta codificación estética. El sufrimiento deja de ser invisible y adquiere una apariencia concreta. Nace del cine, de la pintura, de personajes minoritarios que buscaban conectar con una parte de la población que no se sentía representada en la normalidad. Pero también de una parte de la población que quería mirar estos personajes femeninos desde la lejanía y adorarlos.
Esto puede facilitar su expresión, especialmente para personas jóvenes que todavía no tienen recursos para explicar lo que sienten, pero también puede crear una visión muy limitada de quién tiene derecho a ser percibida como una persona que sufre.
La cultura digital introduce además una transformación fundamental: una escena cinematográfica puede separarse de su contexto original y convertirse en una imagen independiente. Una película puede mostrar a un personaje atravesando un proceso complejo, pero las redes pueden reducirlo a una fotografía, una frase o unos pocos segundos acompañados de una canción. Si añadimos la cultura de los likes, el postureo y la atención, esta estética del dolor se convierte en un problema que puede confundir a adolescentes.
No todas las mujeres pueden ser una sad girl
Una de las cuestiones más importantes es que no todas las mujeres reciben el mismo reconocimiento cuando sufren.
La imagen de la joven triste suele estar asociada a determinados estándares de belleza, edad y cuerpo. Una adolescente considerada atractiva puede ser presentada como misteriosa o delicada en su sufrimiento, mientras que una mujer mayor, una mujer con un cuerpo que no responde a los estándares normativos o una persona que no encaja en determinados cánones puede no recibir esa misma mirada estética.
Esto demuestra que la romantización del sufrimiento no puede estudiarse únicamente desde el género. También es necesario introducir variables como la edad, la raza, el cuerpo y la posición social. La cultura popular no construye una única imagen de la mujer sufridora. Selecciona determinadas mujeres para ocupar ese espacio y deja a otras fuera.
La «mujer fuerte» y el derecho a ser vulnerable
El ejemplo de las mujeres negras resulta especialmente significativo. Frente a la imagen de la mujer blanca, joven, delicada y melancólica, la cultura popular ha construido con frecuencia el estereotipo de la strong black woman: una mujer fuerte, resistente y capaz de soportarlo todo.
Aunque este modelo puede resultar inspirador, también puede imponer una exigencia adicional: la obligación de ser siempre fuerte, de alcanzar una expectativa.
Mientras que a otras mujeres se les permite expresar fragilidad, determinadas mujeres racializadas pueden ser representadas como aquellas que siempre deben resistir. El resultado es una distribución desigual del derecho a la vulnerabilidad.
La romantización del dolor contiene así una jerarquía: no todo sufrimiento se considera igual de bello, interesante o legítimo.
La mirada de Sofia Coppola
Esta cuestión aparece también en la obra cinematográfica de Sofia Coppola. Sus películas han sido criticadas por concentrarse habitualmente en mujeres blancas, jóvenes, bellas y privilegiadas. Incluso se la ha tildado de centrarse más en la estética que en la profundidad de sus personajes.
Esa elección puede interpretarse como una representación de su propio universo y de experiencias concretas, pero también puede tener como consecuencia que la tristeza femenina aparezca asociada principalmente a determinados contextos sociales.
En películas como Las vírgenes suicidas o María Antonieta, las protagonistas pertenecen a mundos privilegiados y, aun así, experimentan vacío, incomprensión o melancolía. Esto no significa necesariamente que sus historias sean inválidas. La cuestión es que, cuando existen pocas directoras que puedan desarrollar relatos íntimos desde perspectivas femeninas, una sola autora puede terminar ocupando un espacio cultural desproporcionadamente grande.
La solución no sería eliminar este tipo de historias, sino ampliar la variedad de voces. Cuando hay un número muy menor de representación en un ámbito, se le tiende a juzgar y criticar más. Porque quizá la visión de Sofía Coppola no sea cultural o políticamente adecuada, quién lo sabe. Pero, ¿debe preocuparse de ser correcta o de transmitir aquello que siente y cómo lo siente? ¿SI una directora se centra más en una estética o vibes para contar una historia que para algunos tendría una falta de sustancia, podría seguir siendo válido si ése es el objetivo artístico?
La estética también puede ser un lenguaje
La propia estética cinematográfica puede tener una función ambivalente. En las películas de Coppola, la falta de diálogo y el uso de objetos, colores, miradas, planos y espacios permiten comunicar el estado emocional de los personajes. Una persona puede mirar por una ventana, permanecer en silencio o aparecer aislada en un determinado espacio y el espectador comprende su estado interior sin necesidad de una explicación verbal.
La estética se convierte así en una forma legítima de expresar emociones difíciles de verbalizar. Esto resulta especialmente relevante cuando hablamos de adolescentes. Si una persona joven todavía no dispone de las herramientas lingüísticas para explicar exactamente qué le sucede, puede recurrir a la música, la literatura, el cine o la moda para encontrar una representación de su mundo interior.
Por ello, criticar automáticamente cualquier estética asociada a la tristeza puede ser injusto. La estética puede ser una herramienta de comunicación y de construcción de identidad.
Adolescencia, cultura popular y necesidad de ser escuchada
El sufrimiento adolescente suele ser tratado con cierta condescendencia. Los gustos de los adolescentes, especialmente cuando se asocian a chicas jóvenes, son frecuentemente considerados superficiales, exagerados o imitativos.
La música que escuchan, las películas que consumen o las formas de vestir que adoptan pueden interpretarse como simples intentos de llamar la atención, historias sencillas u objetos de burla. Sin embargo, esta actitud puede impedir escuchar qué hay detrás de esas elecciones culturales.
Los productos culturales pueden proporcionar a los adolescentes un vocabulario emocional. Pueden ofrecer imágenes con las que identificarse cuando todavía resulta difícil explicar verbalmente lo que ocurre.
Esto no significa que toda estética juvenil sea una manifestación de sufrimiento real, pero tampoco que deba descartarse automáticamente como una simple moda.
El desprecio a los productos dirigidos a público femenino
Los productos culturales dirigidos a adolescentes femeninas pueden recibir un tratamiento especialmente despectivo, mientras que determinadas figuras asociadas a públicos masculinos o a modelos de masculinidad tradicional reciben una consideración cultural diferente.
No sólo el cine y las series han sufrido la negatividad de esta etiqueta, sino también los videojuegos. Pero para contrarrestar esta sensación agridulce, aquí te dejamos un artículo sobre videojuegos protagonizados por mujeres.
Extrapolémoslo a otro ámbito de la cultura popular: el deporte. ¿Cuántos premios mundiales necesita el fútbol femenino para equiparar su importancia al masculino? Aunque esta igualdad haya mejorado en los últimos años, no llega a esa equiparación ni de lejos. Muchos Millenials y Gen Z hemos crecido viendo un público mayormente masculino permitiéndose emocionarse con el deporte, en especial el fútbol. ¿Será que es un espacio en el que los hombres se permiten sentir pasión, tristeza y camaredería sin necesidad de contradecir con los valores que desde décadas les han inculcado como masculinos?
Volviendo al cine, el ejemplo de Robert Pattinson resulta ilustrativo. Su asociación con Crepúsculo y con un público adolescente femenino llegó a utilizarse para cuestionar su imagen como actor, pese a que su trabajo posterior demuestra que la asociación entre un intérprete y un producto dirigido a chicas jóvenes no determina su capacidad artística. Siendo así víctima del machismo también y empujándole a renegar de unos inicios que no deberían verse tan negativos.
Lo mismo ha pasado anteriormente con actores que empezaron con películas que consumían o apoyaban mayormente chicas jóvenes, como Leonardo DiCaprio, Brad Pitt o Matthew McConaughey, que tras romper su «etiqueta maldita» han conseguido destacar por su talento. Y ése es el problema, que ya sea por ellos mismos o por presión de la industria, se ven obligados a romper con esa asociación a lo femenino para recibir prestigio.
Esto permite ampliar el análisis más allá de la sad girl. No solo importa cómo se representa el sufrimiento femenino, sino también quién tiene permiso cultural para expresarlo y quién es tomado en serio cuando lo hace.
¿Dejar de mostrar o educar al espectador?
La alternativa no debería ser eliminar la tristeza femenina de la cultura popular, y mucho menos las películas que ya están realizadas y pertenecen a diferentes contextos socioculturales. Sino ampliar las formas en que puede ser representada y escuchada.
Una película puede ser bella y hablar de dolor. Una canción puede expresar tristeza sin hacer que ésta sea deseable. Una estética puede servir para comunicar una experiencia interior sin convertir esa experiencia en un modelo que deba imitarse.
El verdadero problema aparece cuando dejamos de escuchar lo que existe detrás de la imagen. Cuando la chica triste deja de ser una persona y se convierte en una estética. Cuando su sufrimiento deja de ser algo que necesita ser comprendido y pasa a ser aquello que la hace interesante. Cuando la tragedia deja de provocar preguntas y comienza a funcionar como un elemento decorativo. Y, sobre todo, cuando solo algunas personas tienen derecho a ser vistas como delicadas, profundas o legítimamente heridas.
La romantización de la tristeza femenina no debería llevarnos a despreciar la sensibilidad adolescente ni a considerar falsas las formas de expresión que utilizan las jóvenes. Al contrario: debería llevarnos a escuchar con mayor atención. Detrás de una estética puede haber una experiencia real; detrás de un comportamiento puede haber una emoción que todavía no sabe expresarse de otra manera.
La romantización del dolor no se comporta igual en hombres y mujeres
La diferencia entre la representación del sufrimiento femenino y masculino permite observar que el cine no solo determina qué significa sufrir, sino también cómo debe expresarse ese sufrimiento según el género. Aunque no todas las películas reproducen estos modelos y existen numerosas excepciones, pueden identificarse dos tendencias especialmente reconocibles dentro de la cultura popular.
En el caso de las mujeres, el dolor ha sido representado con frecuencia mediante imágenes asociadas a la delicadeza, la belleza, la vulnerabilidad y la melancolía. La mujer «rota» puede aparecer aislada junto a una ventana, llorando, rodeada de flores, con una iluminación tenue o en espacios que convierten su tristeza en una experiencia visualmente atractiva. Su vulnerabilidad puede convertirse incluso en una característica que aumenta su atractivo como personaje.
La sad girl representa el extremo más reconocible de este modelo. No es simplemente una joven que sufre, sino una mujer cuya tristeza forma parte de su identidad estética. Su sensibilidad puede presentarse como profundidad, su aislamiento como misterio y su fragilidad como belleza. El dolor no necesariamente destruye su atractivo: en determinadas narrativas parece ser precisamente aquello que lo intensifica.
En el caso de los hombres, el sufrimiento suele adoptar una expresión diferente. En lugar de mostrar directamente la vulnerabilidad, muchas narraciones presentan sus consecuencias: ira, violencia, aislamiento, consumo de sustancias, comportamiento autodestructivo o incapacidad para establecer vínculos emocionales. El hombre herido no siempre aparece llorando; aparece enfadado, encerrado en sí mismo o mostrado como un ser tan inteligente que se siente aislado.
Esto produce una figura masculina diferente: el hombre atormentado, agresivo o aparentemente peligroso cuyo comportamiento se explica mediante una herida interior. El trauma puede convertirse en la explicación de su violencia y, en determinados relatos, también en un elemento que aumenta su atractivo.
Aquí aparece otro estereotipo especialmente interesante: el hombre como «bestia a la que domar». La mujer se convierte en la persona capaz de descubrir la vulnerabilidad escondida detrás del comportamiento agresivo del hombre. El personaje masculino puede ser frío, violento o emocionalmente inaccesible, pero existe una sensibilidad oculta que solo una determinada mujer consigue descubrir.
De esta forma, mientras que la mujer puede ser representada como alguien cuya herida es visible y forma parte de su belleza, el hombre puede aparecer como alguien cuya herida está escondida detrás de una conducta agresiva. La diferencia es significativa: a ellas se les permite mostrar el dolor; a ellos se les permite mostrar sus consecuencias.
Esto también condiciona la forma en que el espectador interpreta a ambos personajes. La mujer triste puede despertar protección, ternura o identificación. El hombre atormentado puede despertar fascinación, miedo o deseo de comprenderlo. En ambos casos existe una romantización posible, pero funciona mediante mecanismos diferentes.
Y no, no es que todos los personajes estén dentro de esos roles. Tenemos a mujeres que sufren y lo expresan con agresividad, como Jinx de Arcane; u hombres que sienten depresión y ansiedad, trastornos asociados históricamente en el ámbito audiovisual a mujeres, como Elliott Alderson de Mr Robot, el cual lo sufre desde una visión introvertida. Pero es cierto que los roles que se han repetido y marcado la cultura popular durante décadas, han sido estereotípicos.
Por eso, estudiar la romantización del sufrimiento exige abandonar la idea de que existe una única estética del dolor. El cine ha construido diferentes maneras de hacerlo atractivo dependiendo del género: la mujer que sufre puede ser convertida en una figura bella y aspiracional; el hombre que sufre puede ser convertido en una figura peligrosa, intensa y aparentemente indomable.
James Dean, el mito del hombre trágico en el cine
Una de las figuras que mejor representa este arquetipo masculino es James Dean. Convertido en uno de los grandes iconos de la juventud atormentada del cine estadounidense, Dean consolidó a mediados de los años cincuenta una imagen que todavía continúa presente en la cultura popular: la del joven rebelde, vulnerable, incomprendido y emocionalmente herido que parece incapaz de encajar en el mundo que lo rodea. Sus personajes en Al este del Edén, Rebelde sin causa y Gigante contribuyeron decisivamente a construir esta figura. En ellos, la rabia, la soledad, la rebeldía y la dificultad para expresar las emociones no eliminan su atractivo, sino que forman parte esencial de él.
Lo particularmente significativo en el caso de Dean es que la tragedia terminó trascendiendo sus personajes y se incorporó a su propia imagen pública. Su muerte en un accidente de tráfico en 1955, con tan solo 24 años y después de haber protagonizado únicamente tres películas, convirtió su juventud truncada en parte inseparable de su mito. James Dean no solo interpretó al joven marcado por la tragedia, sino que su propia muerte prematura contribuyó a convertirlo en la representación definitiva de ese arquetipo. Décadas más tarde, esta imagen encontraría otros representantes, como Heath Ledger, cuya muerte prematura volvió a producir una asociación entre talento, vulnerabilidad, intensidad y tragedia.
Su importancia resulta especialmente relevante porque establece un modelo que el cine y la cultura popular reproducirán posteriormente: el hombre joven, atractivo y talentoso cuya intensidad emocional parece estar ligada a una existencia inevitablemente autodestructiva o trágica.
La male gaze y la construcción de la sad girl
Una parte importante de esta representación puede relacionarse con el concepto de male gaze, o mirada masculina, desarrollado dentro de los estudios cinematográficos para analizar cómo muchas obras audiovisuales construyen a las mujeres desde una perspectiva que las convierte en objetos de contemplación.
Esta mirada no implica simplemente que una película haya sido dirigida por un hombre. Se refiere a una estructura visual y narrativa en la que el cuerpo, la belleza, la vulnerabilidad y las experiencias de las mujeres pueden ser organizados desde una perspectiva que privilegia el deseo y la mirada masculina.
La mujer triste resulta especialmente susceptible de convertirse en objeto de contemplación porque su sufrimiento puede representarse mediante elementos visuales que ya forman parte del lenguaje cinematográfico: lágrimas, silencios, cuerpos inmóviles, habitaciones oscuras, vestidos, maquillaje, cabello, miradas perdidas o escenas de aislamiento.
Nuevas miradas: mujeres creadoras y representación del dolor
Frente a esta tradición, la incorporación de más mujeres como directoras, guionistas, productoras y creadoras ha permitido ampliar progresivamente la forma en que se representa la experiencia femenina.
Esto no significa que todas las mujeres creadoras compartan una misma perspectiva ni que la presencia de una directora garantice automáticamente una representación libre de estereotipos. Sin embargo, disponer de más voces permite que las mujeres dejen de aparecer exclusivamente como personajes observados y puedan convertirse también en sujetos que cuentan, interpretan y construyen sus propias experiencias.
Una mirada diferente puede mostrar a una mujer triste sin convertirla necesariamente en un objeto bello. Puede mostrar su enfado, su aburrimiento, su contradicción, su vulgaridad, su deseo, su humor o su incomodidad. Puede permitir que exista una protagonista que no sea necesariamente agradable o aspiracional y que, aun así, tenga derecho a ser comprendida.
En este sentido, algunas cineastas contemporáneas han contribuido a desplazar la mirada desde la mujer como objeto de contemplación hacia la mujer como sujeto de experiencia. Como por ejemplo la protagonista de Lady Bird (ver en Apple TV), de Greta Gerwig, un personaje sufridor que busca su identidad, pero desde una mirada femenina que está más cerca de entender ese propio personaje que un hombre, construyéndolo de una manera más realista y que conecte con mucha gente.
El cambio no consiste simplemente en sustituir una imagen por otra. Consiste en ampliar las posibilidades. La mujer ya no tiene que ser necesariamente la víctima perfecta, la chica triste y bella o la figura misteriosa que necesita ser salvada. Puede ser contradictoria, incómoda, egoísta, enfadada, ambiciosa, vulnerable o incluso difícil de comprender.
La aparición de nuevas voces femeninas no elimina la influencia histórica de la male gaze, pero sí permite discutirla y ofrecer otras perspectivas. Cuantas más mujeres puedan contar sus propias historias y cuanto más diversas sean esas voces, menos necesario será recurrir a un único modelo de lo que significa ser una mujer que sufre.
Así, el objetivo no debería ser sustituir la sad girl por otro estereotipo, sino hacer que deje de ser la única forma culturalmente reconocible de representar el dolor femenino. Porque el verdadero avance no consiste en conseguir una nueva imagen de la mujer dolida que sustituya a la anterior, sino en conseguir que existan muchas imágenes distintas.
Hacia un análisis más amplio del dolor en la cultura popular
Este análisis forma parte de una investigación más amplia que continúa desarrollándose y que dará lugar a un libro-ensayo sobre la romantización del dolor en el cine y la cultura popular.
El proyecto pretende profundizar en cómo el mundo audiovisual y las redes sociales influyen en la mirada que construimos sobre el sufrimiento y el trauma. El objetivo será analizar cómo determinadas representaciones pueden generar estereotipos, idealización y romantización, pero también cómo pueden servir para expresar experiencias difíciles, generar identificación y abrir conversaciones que antes permanecían ocultas.
El libro ampliará esta reflexión más allá de la figura de la sad girl para estudiar las diferentes formas en las que el dolor es representado según el género, la edad, el contexto social y cultural, así como las distintas respuestas que genera en el público.
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