¡Se acerca Halloween! ¿Ya estáis calentando motores? Te proponemos una forma, algo distinta, para celebrar esta gran fiesta del terror… ¡Con música! Sí, este año queremos homenajear a esos videoclips que son igual de aterradores (o más) que las películas de terror. Hay muchas maneras de provocar miedo a través de un videoclip. Os contamos todas y cuáles son las más impactantes en este reportaje
Con temáticas más sociales (y algo menos terroríficos), como hace Taylor Swift en un entorno de ultratumba para hablar de las críticas y lo que fue enfrentarse a ser enterrada viva (metafóricamente) por la sociedad en Look What You Made Me Do o hablando de algo sobrecogedor (y relegado por la sociedad) como son las enfermedades mentales con una animación de lo más peculiar como hace Calle 13 con John, el esquizofrénico. Y también se pueden incluir los terrores de la generación de La Segunda Mundial (1939-1945) como logra Pink Floyd en Another Brick in the Wall.
Si buscamos recrear la estética de Halloween y ensalzar el imaginario de lo macabro, Redhead retrató el Día de los Muertos en Get Out my Head, los Backstreet Boys honran al género de monstruos en Everybody (Backstreet’s Back), Fever Ray recrea la masacre de Jonestown en un ambiente ritualista en If I Had a Heart y Grimes tiene una propuesta de lo más interesante con Kill V. Maim.
Subiendo algo más el tono, encontramos vídeos más oscuros. Marilyn Manson es experto en mostrar auténticas salvajadas, como en Sweet Dreams (Are Made of This); Billie Eilish domina la pesadilla oscura en Bury a Friend; The Used sobresale con asquerosidades en The Bird and the Worm; y en ser malrolleros nuestro podio se lo llevan Come to Daddy de Aphex Twin, Kids de MGMT y Sick, Sick, Sick de Queens of the Stone Age.
En nuestro listado de 13 videos musicales encontrarás algunos basados en películas míticas de terror o algunas que las rinden homenaje, y compartiremos algunos de los más escalofriantes y supericónicos a lo largo de varias décadas y géneros musicales. Te retamos a que apagues las luces y te atrevas con nuestras propuestas…
1. Thriller de Michael Jackson (1982)
Comenzamos este recuento con Thriller: la revolución musical, de Michael Jackson.
El 30 de noviembre de 1982 salió al mercado el álbum homónimo del que forma parte la canción. Está producido por Quincy Jones y su ingeniero de sonido fue Bruce Swedien y, aparte de Thriller (compuesta por Rod Temperton), cuenta con temas como Wanna Be Startin’ Something, Billie Jean o P.Y.T. (Pretty Young Thing). Su fusión de géneros (R&B, pop, rock, funk y disco) le ayudaron a tener un alcance mundial e intergeneracional y aparecer en la MTV, derrumbando así las barreras de la segregación que aún existían.
Icono musical
Este short film musical es icónico por la coreografía, el maquillaje y el vestuario:
- El coreógrafo fue Michael Peters y el baile fue ejecutado por 20 bailarines profesionales de Los Ángeles.
- El maquillador fue Rick Baker, quien ya trabajó con Landis en Un hombre lobo americano en Londres (1981), contando en el set con la ayuda de 20 maquilladores: moldearon 4 máscaras a medida con peras de aire colocadas debajo.
- En cuanto al vestuario, destaca la ropa ochentera, pero también el vestuario de los años 50. Contó con Kelly Kimball y Deborah Nadoolman, quien trabajó en Indiana Jones.
Michael quiso contratar a Jennifer Beals (Flashdance, 1983), pero ella lo rechazó, por lo que recurrieron a un casting, donde encontraron a Ola Ray. Para recuperar el desembolso inicial, a John Branca (su abogado en aquella época) se le ocurrió que podían hacer un «detrás de cámaras» para vender en VHS.
Cortometraje musical
Inspirado por la película Un hombre lobo americano en Londres de John Landis (1981), y con mucha ambición por volver a ser el número 1, Michael decidió contratar a Landis (The Blues Brothers, 1980) para dirigir Thriller. Es un videoclip de casi 14 minutos con referencias a las películas clásicas de terror de serie B con elementos de los slasher y survival, tiene elementos de body horror y grandes dosis de terror sobrenatural, zombis y monstruos. Se estrenó el 2 de noviembre de 1983 en la MTV.
Por cuestiones personales y religiosas, ya que era testigo de Jehová, decidió añadir al inicio del vídeo esa cartela por el miedo colectivo al ocultismo de la época, al satanismo, a la demonología y a las sectas.
Diseño de sonido
Si hay algo esencial en las películas de miedo es el sonido, y la ausencia de ello. Aquí entran en juego el diálogo entre los personajes, la música de tensión, los elementos sonoros y ambientales, y obviamente la canción y la letra. Sin ser expertos musicales (porque tampoco es nuestro propósito ni campo de análisis), sí que cabe mencionar que es una música que acompaña a la estética de ultratumba que incorpora sonidos terroríficos. Además, lo que dice la letra lo acompaña la imagen:
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¿Quién? Se está dirigiendo a una chica para convencerla de que él la puede salvar de las horribles situaciones de una película de suspense.
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¿Cuándo y dónde?
- ¿Qué? En cada párrafo le da ejemplos de lo que le ocurriría, llevándola por situaciones estremecedoras que involucran monstruos acechando en la noche e intentando matarla y poseerla, dejándola totalmente paralizada y con el miedo a flor de piel.
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¿Por qué? A medianoche salen los muertos y los monstruos.
Los elementos a continuación ayudan a crear la atmósfera de terror:
- Respiración lenta pero constante cuando aparece el título en pantalla.
- El psiturismo (murmullo del viento) y los crujidos de los árboles al soplar.
- Sonidos de los animales e insectos nocturnos.
- Motor del coche.
- El andar por el camino terroso.
- Gruñidos de Michael cuando empieza su transformación (y rugidos y aullidos cuando ya está transformado)
- Gritos de total terror de ella.
- El sonido al masticar palomitas.
- El diálogo y disparos de la película ficticia.
- La música de tensión (de Elmer Bernstein) entra en juego en el minuto 01:54, y se intensifica con una melodía que pareciera decirnos que ya no hay vuelta atrás, y se vuelve a intensificar en el minuto 3:36, que nos marca la caída al abismo: el destino de ella ya se sabe.
- En el minuto 4:14 comienza la melodía de Thriller: escuchamos los aullidos míticos del principio de la canción (que son los de Michael).
- Chirridos de una puerta
- Efectos alienígenas
- En el 4:43… ¡empieza la letra! A lo largo de toda esta secuencia canta la primera, segunda y tercera estrofas, a la vez que son perceptibles los pasos al caminar… o incluso juegan con que los sonidos de la propia canción (un portazo o las palmadas), los representa Michael bailando.
- Voz en off: Vincent Price, icono de las pelis de terror de la época, aceptó la colaboración y en ese mismo momento fue al estudio de grabación (porque su apretada agenda no le permitía hacerlo otro día). ¡Lo grabó en solo dos tomas! Una voz oscura, casi de otro mundo, empieza a relatar…
Darkness falls across the land. The midnight hour is close at hand. Creatures crawl in search of blood to terrorize y’all’s neighborhood. And whosoever shall be found, without the soul for getting down, must stand and face the hounds of hell, and rot inside a corpse’s shell. The foulest stench is in the air, the funk of forty thousand years, and grizzly ghouls from every tomb are closing in to seal your doom. And though you fight to stay alive, your body starts to shiver, for no mere mortal can resist the evil of the thriller.
Cinematografía
Si algo está claro de este clásico es que es inevitable encajarlo en su contexto de los 80. George Folsey fue el director de fotografía y tiene muchos elementos del lenguaje audiovisual:
- Mostrar a los personajes y seguir sus acciones (planos estáticos y fijos).
- Demostrar la libertad de movimiento en la persecución inicial y en la coreografía (planos abiertos).
- Planos para destacar el estatus de poder (contrapicados y picados).
- Destacar el punto de vista de los personajes (plano frontal).
- Fomentar esa sensación de agobio, de estar encerrados (movimientos circulares como el travelling compensado o efecto vértigo).
- Cambio de ambientación solo con el juego de luces.
Metacine
Es interesante, ya que tiene muchas autorreferencias y cuenta con una metaficción que tiene distintas capas:
- Nosotros, los espectadores del videoclip, estamos viendo a un chico y a una chica en una cita romántica dando un paseo bajo la luna llena y, tras ella aceptar la declaración de él para oficializar su noviazgo, él se convierte en hombre lobo.
- En el minuto 3:41 descubrimos que esos dos personajes son los personajes de Thriller, una película que están viendo los verdaderos protagonistas (que están en una cita en el cine). Por los gritos en la sala de cine nos hace entender que eso era ficción.
- La chica real sale del cine asustada y él la sigue fuera del cine, lo que nos muestra el cartel de neón, el nombre del cine, el actor y la peli ficticia, autorreferenciándose.
- Empiezan a caminar y resulta que… ¡ella acaba viviendo su propio thriller rodeada de zombis junto a su novio… que resulta que también es uno de ellos!
- No acaba aquí el enredo: resulta que sí era todo ficticio cuando ella, atemorizada por estar rodeada de zombis, abre los ojos y el Michael real está con ella.
- Sin embargo… juegan de nuevo con el espectador cuando Michael mira directamente a cámara y tiene los mismos ojos que el hombre lobo.
2. The Perfect Drug de Nine Inch Nails (1997)
La siguiente en la lista es The Perfect Drug de la banda de rock independiente Nine Inch Nails (NIN), formada en 1988 por el cantante, productor, multiinstrumentalista y compositor Trent Renzor. Aunque ha contado con varios colaboradores que han ido entrando y saliendo de la banda, desde 2016 Atticus Ross es un colaborador recurrente.
La canción forma parte de la banda sonora de la película Carretera perdida (Lost Highway, 1997) de David Lynch y el videoclip lo dirigió Mark Romanek (quien ya colaboró con Renzor en Closer). Habla de la adicción, de la dependencia emocional, los problemas mentales, la depresión, la pérdida, la obsesión…
Enmarcado en un contexto muy concreto, es un claro reflejo del movimiento de los años 90, por todas estas referencias, que también se encuentran en el vídeo, aparte de El resplandor (inspiración por los laberintos y el vaho, que marcaba el frío que hacía en la habitación):
- Mirada hacia la época victoriana (1837-1901), una época con la absenta de moda (una bebida maldita conocida como «el hada verde» que te lleva a tener pesadillas).
- Retorno a la literatura de terror gótico (como la literatura de Edgar Allan Poe).
- Literatura y los dibujos de Edward Gorey.
- Literatura de vampiros del siglo XIX.
- Cine de vampiros y monstruos de comienzos de década (Drácula de 1931).
- Romantización de lo oscuro, lo macabro, lo perturbador…
- Tim Burton.
- Personajes como Morticia (Anjelica Huston) o Miércoles (Christina Ricci) Addams.
- Estética gótica: vestimenta negra, diseño gráfico (vinilos, discos) y mensajes oscuros depresivos.
- El cómic como fenómeno underground con ejemplos como The Crow de James O’Barr.
3. Everlong de Foo Fighters (1997)
Para hablar del grupo de música rock alternativo y post-grunge Foo Fighters, es necesario hablar de Nirvana que fue un grupo de música creado por Kurt Cobain (vocalista y guitarrista) y Krist Novoselic (bajista) en 1987. Varios baterías pasaron por la banda (Aaron Burckhard, Dale Crover, Dave Foster, Chad Channing y Dan Peters), pero Dave Grohl se unió como el definitivo en 1990. El 5 de abril de 1994 Kurt Cobain muere, provocando la disolución de Nirvana, pero el nacimiento de Foo Fighters.
Everlong es parte de su segundo álbum The Colour And The Shape, que salió al mercado el 20 de mayo de 1997. Cuenta con otros temas como Monkey Wrench, My Hero o Walking After You. El videoclip está dirigido por Michel Gondry. Es de carácter surrealista y satírico y usa elementos poco convencionales para un videoclip del estilo de rock, como el hilo narrativo o los planos medios y largos (en vez de cortos). En el videoclip, una pareja (Dave Grohl y Taylor Hawkings) tiene pesadillas que se intercalan entre sí.
Cine de los años 80: Saga Evil Dead
Inspirado en la estética y la forma de hacer cine de esa década, hay una fuerte referencia a la saga de Sam Raimi, en concreto a la primera Posesión infernal (The Evil Dead, 1981) y la segunda Terroríficamente muertos (Evil Dead II, 1987), aunque también a la tercera El ejército de las tinieblas (Army of Darkness, 1992). ¿Cómo conecta con la saga?
- Su ambientación y su narrativa cuenta con un humor negro, haciendo honor al estilo campy.
- Mantiene lo grotesco.
- Planos de cámara rápidos (técnica hipercinética de zoom o hyperzoom) e inestables (shaky cam).
- La historia ocurre en una cabaña.
- La trampilla.
- La motosierra.
4. There, There de Radiohead (2003)
En nuestra lista, el siglo XXI lo encabeza There, There, de la banda de rock alternativo Radiohead formada en 1985. Con una historia de lo más peculiar (de idas y venidas y de éxitos y fracasos), sus integrantes son: Thom York (vocalista), Jonny Greenwood (guitarrista), Colin Greenwood (bajista eléctrico), Phil Selway (baterista) y Ed O’Brien (guitarrista). Hoy en día se encuentran en un parón indefinido por la pandemia de 2020. Gracias a ello, han tomado caminos en solitario alejados del desgaste de giras y el trabajo en conjunto, manteniendo eso sí el amor de su relación que tienen desde la escuela Abingdon. Aun así, sus seguidores solo desean su vuelta.
La canción pertenece al álbum Hail To The Thief, publicado el 9 de junio de 2003. El videoclip, que dirigió Chris Hopewell con total libertad de creación, se proyectó en directo en Time’s Square (Nueva York) el martes 20 de mayo de 2003, a la par que su proyección en la MTV2 cada hora durante 24 horas.
A través de su estética extraña de cuento de hadas oscuro que deforma lo cotidiano para transformarlo en escenas que no corresponden, una expresividad corporal algo inaudita, con elementos de folk horror y horror surrealista, nos da paso a una fábula con un mensaje moral inquietante: las consecuencias de ser avaricioso. Se pueden encontrar las siguientes influencias:
Imaginario visual y artesanal
Serie de televisión infantil Bagpuss (1974)
Esta serie infantil creada por Oliver Postgate y Peter Firmin duró una temporada (13 episodios) y se emitió en la BBC One. El reparto lo componían: Sandra Kerr, Oliver Postgate, John Faulkner y Emily Firmin.
Animación de posguerra
El artista cinematográfico checo Jan Švankmajer (principal inspiración para Hopewell como cineasta), era surrealista, se caracterizaba por el uso de objetos y materiales reales y la combinación de lo cotidiano con lo perturbador (animales disecados), además de seguir una tradición de animación artesanal que utilizaba figuras, objetos y movimientos poco naturales para generar imágenes de carácter fantástico y extraño. Hay quien incluso relaciona los cuervos de la persecución final con Los pájaros (The Birds, 1963) de Alfred Hitchcock.
Las fotografías de la época victoriana: animales antropomortizados
Walter Potter (1835-1918) fotografió a diferentes animalitos (ratones, ardillas, gazapos, sapos) inmortalizándolos en formato de dioramas realizando actividades reservadas para los humanos (tomando té o en una boda).
Imaginario narrativo
Los cuentos de los hermanos Grimm
El director, inspirado tras leerse los cuentos, se fue en bici por un bosque a las 5 de la mañana para encontrar localizaciones y, basándose en la moraleja que siempre traen esos cuentos, escribió su propuesta basándose en la estructura que normalmente se extraen de ellos: alguien se pierde, se le ofrece ayuda, se aprovecha y es castigado. Es ta estructura clásica de los cuentos tradicionales se aprecia en estos tres bloques:
- Planteamiento: la llegada al bosque, ese espacio misterioso con unas reglas lejanas a lo que conocemos, con animales haciendo actividades familiares, pero algo extrañas por su condición animal.
- Nudo: la tentación y avaricia por esos objetos mágicos, el robo, la huida y la persecución.
- Desenlace: el castigo, el protagonista tiene un final trágico (aunque moralmente merecido).
Imaginario cinematográfico
Utilizaron distintas técnicas:
Jerky motion
Su inspiración en el cine mudo dio lugar a la forma de capturar el movimiento de Thom Yorke. El resultado jerky motion (movimientos exagerados, rígidos y entrecortados) lo consiguieron grabando a Thom a una velocidad reducida (quarter speed) en frente de un croma verde, pero luego lo aceleraron y eliminaron algunos fotogramas. Además, el equipo previamente había filmado fondos de un bosque real en formato acelerado además de con fotografías digitales para superponer por encima de Thom, iluminándole igualmente con esa luz.
Stop motion y animación digital
Los animales que se utilizaron fueron maquetas hechas por el equipo, pero otros eran animales disecados que alquilaron a un taxidermista. Los efectos especiales en la animación de los animales se consiguieron a través del stop motion, animándolos con una cámara fotográfica tradicional (en vez de la cámara de cine tradicional). Además, se añadieron unas cuerdas al único cuervo que estaba disecado en plató para hacerle volar, al que también se multiplicó digitalmente.
5. The Kill (Bury Me) de 30 Seconds to Mars (2005)
El gran homenaje a El resplandor proviene de The Kill (Bury Me), de 30 Seconds to Mars. Jared Leto (voz principal y multiinstrumentalista) junto a su hermano Shannon Leto (baterista), fundaron la banda de rock alternativo en 1998 como un dúo inicialmente. Posteriormente se unieron Matt Wachter (bajista) y Solon Bixler (guitarrista). Cuando Bixler se fue a finales del 2002, Tomo Miličević le reemplazó a principios de 2003. Matt Wachter abandonó en el 2007 y Miličević permaneció hasta 2018. Desde entonces se mantiene el dúo inicial de hermanos.
The Kill es una canción de su segundo álbum A Beautiful Lie (2005), cuando aún eran un cuarteto (Jared, Shannon, Matt y Miličević). Josh Abraham produjo el disco, donde encontramos otros temas como A Beautiful Lie, From Yesterday o Hunter. El tema principal es la relación con uno mismo y la batalla interna de enfrentarse a nuestros propios miedos y a quienes realmente somos.
Jared Leto, que había trabajado como actor, como en El año que murió Elvis (1996) o Inocencia interrumpida (1999), en esta ocasión se colocó detrás de cámaras para dirigir el videoclip, (aunque firmó bajo el seudónimo Bartholomew Cubbins). El video musical (producido por Douglas Friedman), se estrenó en enero de 2006 y es un homenaje a El resplandor (The Shining) de Stanley Kubrick (1980), que a su vez es una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Stephen King (1977).
El resplandor
El objetivo de este videoclip nunca fue crear una pieza promocional, Leto quiso ir más allá y explorar la canción en términos de lenguaje visual, tomando la letra como guion y la música como la banda sonora. Y lo consiguió: realmente se introdujo de lleno en la visión de Kubrick, influenciado directamente por su forma de hacer las cosas (la obsesión por el detalle).
Aterrizó temáticas propias de la película en el videoclip, como la simetría (como elemento que provoca angustia, rigidez, incomodidad, sensación laberíntica, pérdida del sentido de la orientación) y la decadencia moral (comportamiento decadente en un hotel aparentemente respetable), en el que Jared Leto solo refuerza su intención de homenajear a su predecesora.Hotel Overlook
Pese a que ni el hotel elegido por Kubrick ni por Leto son el verdadero que inspiró a Stephen King, es cierto que todos mantienen esa esencia terrorífica de aislamiento (también conseguida por la paleta de colores en tonos fríos), la estancias altas, el pasillo característico…
- El real (por así decirlo), el que le dio pesadillas y donde tuvo experiencias extrañas el mismísimo Stephen King, es el Hotel Stanley (en Estes Park, Colorado, junto al Parque Nacional de las Montañas Rocosas).
- El de la película fueron dos: para grabar los exteriores fue el Timberline Lodge, (situado en el Condado de Clackamas, Oregon, cerca del Bosque Nacional del Monte Hood); para el interior, aunque rodado en unos estudios en Inglaterra, tomaron las medidas y referencias del Hotel Ahwahnee, (condado de Mariposa, California, cerca del Parque Nacional de Yosemite).
- Y por último, el del videoclip, es el Hotel Ambassador, en Los Ángeles, California, aunque se encuentra demolido desde enero del 2006, donde se construyó una escuela.
Habitación 217
La habitación maldita del videoclip es la 6277. Pero es diferente al de la película (que es la 237), pero es que en la película también es distinta a la de la novela (que es la 217). ¿Por qué esos cambios?
- El hotel Timberline Lodge le pidió expresamente a Kubrick utilizar un número que no repercutiera en las reservas.
- Es un guiño a la forma de mensajería de los 2000 en los móviles para escribir «MARS«, que era con la combinación de teclas 6277.
Máquina de escribir
El significado de la máquina de escribir y lo que escribe en la película es distinto a lo que Leto quería transmitir. En el filme es un símbolo del descenso a la locura de Jack Torrance. Sin embargo, en el videoclip es una alusión a la letra y al significado general y lo que supone enfrentarse a uno mismo: «Este es quien realmente soy».
Baile
Para la grabación del baile de la fiesta de los años 20, consiguieron ese enfoque gracias al director de fotografía Max Goldman, al coreógrafo Gino Berti, que tuvo que enseñarles a bailar vals a los figurantes que no habían bailado nunca, y por supuesto a la maquilladora y a la estilista, Shannon Stewart y Barb Cordosa respectivamente. Se pueden ver en el videoclip vestidos y el maquillaje con mucha elegancia inspirados en la época del art déco, art nouveau.
6. Crush On You de NERO (2011)
Nos adentramos en un cambio radical en cuestión de género musical: Crush On You. NERO es un grupo formado por los productores Dan Stephens y Joe Ray y la vocalista Alana Watson. Se especializan en música dubstep, drum’n’bass, house y synthpop y nació en el 2004. El 1 de enero de 2011 sacaron el álbum Welcome Reality, con canciones, aparte de la mencionada, como: Guilt, My Eyes o Promises.
El videoclip se lanzó el 11 de septiembre de 2011. Lo dirigió So Me y quiso mostrar el lado oscuro (con muertes macabras, apariciones y posesiones) del tema principal de la canción: el enamoramiento.
Hausu
Es un claro y directo homenaje al cine de culto de terror japonés, en concreto a House (Hausu, 1977) del director Nobuhiko Obayashi, que fue totalmente experimental.
¿Qué elementos tiene la cinta?
- El guion lo escribió su hija de 13 años.
- Utilizó muchísimas técnicas filmográficas: muchas transiciones, colores, efectos de edición, stop motion, escenas que van rápido, otras lento, escenas en blanco y negro…
- Escenas muy sangrientas y elementos de terror sobrenatural, pero que rozan en ocasiones el humor absurdo, combinado con efectos visuales experimentales, composiciones surrealistas y una puesta en escena que rompe continuamente con el realismo.
¿Cuáles de esos elementos se encuentran en el videoclip?
- Apariencia supuestamente inocente de un grupo de amigas.
- Cambio brusco de temática: la peli empieza como una aparente comedia, pero torna en el más puro terror; al igual que el videoclip, que parece un romance, pero termina siendo hipermacabro.
- Horror exagerado y psicodélico: manos ensangrentadas, la novia…
7. Moon Trance de Lindsey Stirling (2012)
Nuestra siguiente propuesta es una canción instrumental de Lindsey Stirling, violinista, bailarina y compositora. Moon Trance pertenece a su primer álbum que sacó en 2012 titulado Lindsey Stirling. Electric Daisy Violin lo encabeza, además de contener otros temas como Crystallize o Shadows.
Enamorada de la danza y el violín desde pequeña, tuvo que elegir un camino desde pequeña (por las dificultades económicas de su entorno familiar) y sus estudios comenzaron con el violín a los 5 años de edad. En 2010 se presentó al programa de televisión americano de la NBC America’s Got Talent. El recorrido por el programa no fue fácil ya que tuvo muchas críticas de los jueces porque no veían su propuesta de valor: fusionar violín y danza.
Sin embargo, su constancia, la confianza en sí misma y en su producto, le dieron el valor para seguir adelante, hasta convertirse en la estrella internacional que es hoy: muy versátil, con una personalidad que irradia luz, emprendedora y que cuida mucho su identidad artística. Su estilo musical se caracteriza por mezclar la parte clásica del violín con distintos géneros como el dubstep, la electrónica, el pop, el hip hop o el rap, aprovechando además las distintas colaboraciones con distintos artistas como LP, Lzzy Hale, Walk off the Earth, Sabrina Carpenter o Raja Kumari.
Su sonido incorpora la parte de percusión con el batería Drew Steen, miembro del equipo desde el inicio. En cuanto a los teclados y samples desde el 2012 contó con Jason «Gavi» Gaviati, pero al fallecer en 2015 le sustituyó Kit Nolan en la parte de guitarra, teclado y samples. En 2021 abandonó y Ryan Riveros se incorporó. Actualmente cuenta con Drew Steen, Ryan Riveros y una gran equipo de bailarinas con quienes gira alrededor del mundo.
Homenaje a Thriller
El videoclip salió el 23 de octubre de 2012. Las referencias al rey del pop se pueden encontrar en los siguientes ejemplos:
- Los protagonistas (tres en vez de dos) salen también del cine (de una cita de ocio y no una romántica).
- El ambiente de terror nocturno: un cementerio neblinoso y la luna.
- Los monstruos rodean a la víctima.
- Tiene una mítica coreografía con reminiscencias a la original: para los seguidores más fieles verla en directo es pura magia (tal y como ocurrió en el festival de música Las noches del botánico, Madrid, en el 2023).
- ¿Recuerdas ese primer suspiro que se escucha en Thriller? ¡Ha vuelto!
- Frontera entre lo real y lo ficticio. ¿Era todo un sueño? El guiño a su predecesor es claro.
- En el caso de la salvación, Lindsey proyecta una visión mucho más feminista y actual: ya no es el chico quien salva a la damisela en apuros… ¡es la música!
8. Disconnected de Keane (2012)
Ahora es el turno de Disconnected, de Keane. La banda de rock alternativo se formó en 1995 y sus componentes son: Tim Rice-Oxley (principal compositor y pianista), Tom Chaplin (vocalista), Richard Hughes (batería) y Jesse Quin (bajista). El 4 de mayo de 2012 sacaron su cuarto álbum Strangeland, en el que encontramos títulos como Black Rain, Neon River y Sea Fog. Se separaron justo después para tomarse un descanso y explorar cada uno por su cuenta. Pero en 2019 volvieron a hacer música juntos y a subirse a los escenarios.
La canción habla de la desconexión de una pareja, la distancia que sienten cuando ya hay un desgaste por una crisis irremediable. Esta idea la trasladaron al videoclip Juan Antonio Bayona (Lo imposible, 2012) y Sergio Sánchez (El secreto de Marrowbone, 2017), los dos directores que vuelven a trabajar juntos (aunque su dupla suele ser director-guionista, como hicieron en El orfanato, 2007). La historia, con varios hilos narrativos y que se nos presenta de forma desordenada, sucede en una casa gótica encantada.
Rodaron el videoclip en una casa abandonada en Capellades en Barcelona en un fin de semana en marzo. Lo protagonizan Leticia Dolera (Requisitos para ser una persona normal, 2015) el actor Félix Gómez (Tres de más, 2026) y la banda también tiene su aparición.
Homenaje estilístico: giallo italiano (años 70)
El giallo italiano es el subgénero de temáticas policíacas, misterio y de terror de los años 70 de Italia.
- Homenajea a figuras como Lucio Fulci (El más allá, 1981) o Dario Argento (Suspiria, 1977):
- Antiguas películas VHS.
- Los créditos iniciales.
- Los créditos finales evocan esa estética pulp y de dibujos en acuarela.
Homenaje narrativo: películas americanas (años 80)
Se pueden identificar muchas similitudes visuales y narrativas con El resplandor (1980) o Posesión infernal (1981), como:
- El aislamiento.
- La estética fría.
- La locura.
- La persecución.
- El vestuario que recuerdan a Jack y a Wendy Torrance.
- La casa maldita.
- Una historia de fantasmas.
9. You Make Me Feel It’s Halloween de Muse (2022)
Con un título superacertado para esta época, continuamos nuestra lista con Muse, un grupo de rock alternativo cuyos integrantes formaron la banda en 1994. Continua el trío inicial en la actualidad: Matt Bellamy (voz principal, además de tocar la guitarra, piano y teclados y componer), Chris Wolstenholme (bajo y coros) y Dominic Howard (batería y percusión). Sacó al mercado el 26 de agosto de 2022 su noveno álbum Will Of The People. Se compone de 10 canciones, entre las que también se encuentran Compliance, Ghosts (How Can I Move On) y We Are Fucking Fucked.
El videoclip, dirigido por Tom Teller, utiliza una animación 3D fotorrealista modificada en posproducción con efectos VFX que la hace bastante cercana al espectador, además de utilizar la captura de movimiento de los actores reales.
En cuanto al lenguaje del terror audiovisual, utiliza giros de cámara que nos dejan bocabajo y grabaciones en primera persona que simulan un found footage. Además, la temática principal de la letra (relaciones tóxicas, abuso, control, confusión emocional, paranoia, estar atrapado, la asfixia, el no poder escapar) la transporta a un escenario que utiliza una casa embrujada como concepto de ello, con conexiones con Lucifer, a los propios cantantes y al mismo universo de sus otros videoclips del álbum, además de albergar las siguientes referencias a clásicos del terror:
Referencias audiovisuales
- El resplandor (The Shining) de Stanley Kubrick (1980).
- Viernes 13 (Friday the 13th) de Sean S. Cunningham (1980).
- Christina (Christine) de John Carpenter (1983).
- Miseria (Misery) de Rob Reiner (1990).
- Scream. Vigila quién llama de Wes Craven (1996).
- Matrix (The Matrix) de Lana Wachowski (1999).
- V de Vendetta (V for Vendetta) de James McTeigue (2005).
- It de Andrés Muschietti (2017).
- Us (Nosotros) de Jordan Peele (2019).
10. Demons de Doja Cat (2023)
Continuamos con Demons, de Doja Cat, (Amala Ratna Zandile Dlamini), es rapera, cantante, compositora y productora. Es una figura bastante presente en la escena musical, pero ha tenido distintas polémicas a lo largo de su carrera desde que saltó a la fama en el 2018, incluyendo el odio en redes por el cambio en su estilo musical y su marca personal, o la relación con el satanismo o distintas sectas.Perteneciente al cuarto álbum Scarlet, lanzado el 22 de septiembre de 2023, la canción Demons es una respuesta directa en forma de sátira e ironía, a todas esas críticas, a los juicios sobre su éxito y las teorías conspiranoicas hacia su persona y aprovecha su creatividad artística para abordar esa confrontación utilizando a la figura del demonio como metáfora de sus duelos internos, las críticas por su fama y éxito y los bulos. Básicamente, se adueña de la narrativa (de manera muy inteligente) y cambia el rumbo de esas críticas, les da otro sentido, y, como si les pusiera un espejo delante a esos haters, es una declaración de intenciones con una letra digna de analizar.
Esta idea se materializó en el videoclip bajo la premisa de ocultismo, terror y erotismo y, junto al director Christian Breslauer, desarrollaron la historia con Christina Ricci (Casper, 1995) como protagonista. Bajo el brutal trabajo de Olga Tarnovetska y su equipo, consiguieron transformar a Doja Cat en un auténtico demonio, con maquillaje y prótesis.
En un contexto ya de por sí terrorífico (una casa embrujada con un ático maldito), es el demonio Súcubo quien visita a nuestra protagonista mientras ella sufre parálisis del sueño. Estos demonios son conocidos en la mitología por tener una apariencia seductora que les permite persuadir a sus víctimas para ya después atormentarles con ideas sexuales (si son hombres se llaman Íncubos). Para los amantes de la pintura, se muestra un óleo de 1781 de Henry Fuseli (Johann Heinrich Füssli): Pesadilla (The Nightmare o El íncubo).
La elección de utilizar el sueño como punto de partida está aludiendo a que lo que la sociedad ha pensado de ella y por la que ha tenido ese escrutinio: está solo en su imaginación, no es real. Además, se suma la idea de que la parálisis del sueño también alude a que están totalmente petrificados en ese pensamiento, sin poder salir de ahí. ¿Quién más encuentra el paralelismo con la obra La letra escarlata (The Scarlet Letter) de Nathaniel Hawthorne (1850)?
Referencias audiovisuales
- El resplandor (The Shining) de Stanley Kubrick (1980).
- Poltergeist: fenómenos extraños de Steven Spielberg (1982).
- Pesadilla en Elm Street (A Nightmare on Elm Street) de Wes Craven (1984).
- El found footage en sagas como Paranormal activity de Oren Peli (2007) o [REC] de Paco Plaza (2007).
- Insidious de James Wan (2010).
- La bruja (The Witch) de Robert Eggers (2015).
11. Taste de Sabrina Carpenter (2024)
La siguiente canción es de la actriz, cantante y compositora Sabrina Carpenter. Forma parte de su sexto álbum Short n’ Sweet que salió a la luz el 23 de agosto de 2024 y que tiene títulos como Espresso, Please Please Please y Bad Chem. Saltó a la fama con la serie de Disney que se emitió entre 2014 y 2017 titulada Riley y el Mundo, (Girl Meets World).
Con el videoclip Taste, dirigido por Dave Meyers, han querido retratar de forma bastante explícita (y con guiños al cine clásico de terror y comedia) lo que son los celos y la rivalidad con esa nueva pareja tras una ruptura. Interpretado por la propia Sabrina y Jenna Ortega, llevan a cabo un duelo muy sangriento, lo que lo convierten en unos 3 minutos y 19 segundos de puro gore, comedia, slasher y suspense.
Referencias audiovisuales
- Psicosis (Psycho) de Alfred Hitchcock (1960).
- La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre) de Tobe Hooper (1974).
- Franquicia del Muñeco diabólico (Child’s Play).
- La muerte os sienta tan bien (Death Becomes Her) de Robert Zemeckis (1992).
- Los locos Addams 2 (Addams Family Values) de Barry Sonnenfeld (1993).
- Scream. Vigila quién llama de Wes Craven (1996).
- Ginger Snaps de John Fawcett (2000).
- Kill Bill: volumen 1 de Quentin Tarantino (2003).
- Jennifer’s Body de Karyn Kusama (2009).
- Scream 4 de Wes Craven (2011).
- Halloween: la noche final (Halloween ends) de David Gordon Green (2022).
- Scream 5 de Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin (2022).
- Bitelchús, Bitelchús (Beetlejuice, Beetlejuice) de Tim Burton (2024).
12. The Dead Dance de Lady Gaga (2025)
El 1 de septiembre de 2025 Lady Gaga (Stefani Joanne Angelina Germanotta) sacaba al mercado su álbum MAYHEM. Su inspiración recae en el caos, en las fantasías, en lo oscuro… y, según cuenta, MAYHEM es una serie de sueños góticos con los que ha pretendido celebrar el caos del mundo y encontrar la belleza en los trozos rotos.
Universo Burtoniano
De entre las 17 canciones que componen MAYHEM, como Disease, Abracadabra y How Bad Do U Want Me, The Dead Dance la compuso específicamente para la segunda temporada de la serie Miércoles (Wednesday), que se puede ver en Netflix (2025), serie en la que Tim Burton es productor ejecutivo, además, de haber dirigido 4 episodios en cada temporada.
Tim Burton (experto en crear mundos góticos tan particulares), asumió el reto de dirigir el videoclip y esculpe la idea principal de la canción (ruptura amorosa y la resiliencia por esa situación), en un contexto donde una espeluznante Gaga muestra sus dotes actorales (como también hace en el episodio 6 de la segunda temporada como Rosaline Rotwood).
Se puede ver a una muñeca rota emocional y físicamente que resurge a la vida transformando ese dolor en baile, cerrando así heridas y recuperando la autonomía e identidad. Juntos encontraron la localización perfecta para rodar, uno con una leyenda misteriosa: la isla de las Muñecas (en Xochimilco, Ciudad de México).
La canción forma parte de una escena en la que Enid Sinclair (Emma Myers) y Agnes DeMille (Evie Templeton) bailan en la Gala Gótica Veneciana en la academia Nunca Más (Nevermore). Como dato curioso del rodaje: las actrices Emma Myers (Asesinato para principiantes, 2024) y Evie Templeton (Victorian Psycho, 2026) grabaron con una pista provisional (placeholder track) que marcaba los mismos pulsos por minuto (BPM o beats-per-minute) de la supuesta canción, y no fue hasta casi el estreno que no vieron el corte final con la canción incluida.
13. Tears de Sabrina Carpenter (2025)
Nuestra lista termina con otra canción de Sabrina Carpenter.
Tears es una canción con alto contenido sexual en la letra y de su séptimo álbum Man’s Best Friend. Con él, que también tiene temas como Manchild, Nobody’s Son y House Tour, se establece como una de las pop girls del momento. Es un álbum con el que generó mucho revuelo y ha sido muy criticado en ambos sentidos: pidiendo su censura y alabado aplaudiendo la ironía. ¿El motivo? Su portada. Producido por figuras como Jack Antonoff y John Ryan, cuenta con Amy Allen como compositora.
El Sabrina Carpenter Cinematic Universe (la serie de videoclips conectados entre sí, con referencias a clásicos de cine y con muchos guiños visuales), se ha vuelto a lucir con este nuevo videoclip, esta vez bajo la dirección de Bardia Zeinali, donde la esencia queer y el poder femenino están muy vigentes.
Referencias audiovisuales
- Repulsion de Roman Polanski (1965).
- The Rocky Horror Picture Show de Jim Sharman (1975).
- Suspiria de Dario Argento (1977).
- Striptease de Andrew Bergman (1996).
- Jeepers Creepers de Bardia Zenali (2001).
- Jennifer’s Body de Karyn Kusama (2009).
- Trilogía de Ti West: X (2022), Pearl (2022) y MaXXXine (2024).
Créditos y nota final
Las imágenes incluidas en este artículo son capturas de pantalla tomadas de los videoclips oficiales publicados en los canales autorizados de los artistas y/o discográficas en YouTube. El material original es propiedad intelectual de sus respectivos autores y/o discográficas. Se utilizan en esta página web bajo el derecho de cita con fines exclusivamente culturales, analíticos e ilustrativos.
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